Alejandro Zamavi es un artista visual que presentó una exposición el pasado trece de septiembre en la Bolsa Mexicana de Valores, llamada Cuerpo y Alma, una serie de fotografías que incitan a los espectadores a reflexionar sobre los vínculos del ser humano con los aspectos espirituales dentro del universo.
Es un intento de representación simbólico a través de lo estético y lo visual, examinando los estados más profundos como existenciales y espirituales desde el interior del ser humano.
Lo que llama más la atención de esta exposición es que se trata de una mezcla de arte digital con algo que podemos llamar “fotografía tradicional”, las obras de Alejandro Zamavi se plasman en impresión digital en equipos de mediano formato de alta calidad.
La tecnología ha evolucionado de tal forma que brinda oportunidades distintas para nuevas formas de expresión artística, cuyas limitaciones aún no están claras.
¿Las pantallas táctiles, las aplicaciones de teléfonos inteligentes y las impresoras 3D son todos nuevos medios para producir arte? En esta época en que las tecnologías digitales forman parte del ADN de las generaciones criadas contando ovejas eléctricas, las artes plásticas están siendo inyectadas con innovaciones digitales para que puedan ver el mundo moderno a través de una lente digital. ¿Se está dando una evolución o revolución? La pregunta trata de abordar cuan extensa es la transformación que está experimentando la creatividad y sus prácticas: una transformación impulsada por las tecnologías digitales.
En lo que respecta a las herramientas, las tecnologías digitales sirven en primer lugar como una extensión de las técnicas más tradicionales. Un ejemplo típico es la fotografía. Con las cámaras digitales, puedes correr riesgos, experimentar con diferentes composiciones y luego comenzar de nuevo tantas veces como sea necesario hasta que te sientas satisfecho. Y, por supuesto, además puedes editar los resultados, de manera mucho más rápida y sencilla de lo que podría hacerse con la tradicional técnica de la película.
La miniaturización ha revolucionado su enfoque de la fotografía, incluso más que su informatización. Un iPhone se ha convertido en una herramienta para un artísta.
Armando Menicacci, Profesor-investigador y coreógrafo nacido en Italia, se especializa en las relaciones entre la danza y las tecnologías digitales y destaca los beneficios del isomorfismo que proporcionan las tecnologías digitales: “Con los cálculos realizados en una computadora, todos los elementos involucrados en la obra pueden alterar sus diversas formas. Un gesto puede convertirse en una imagen, una imagen puede convertirse en un texto, etc. Los movimientos de los bailarines con sensores agregados pueden, por ejemplo, usarse para generar sonido. Entonces, se obtiene música con cada gesto del bailarín… el gesto artístico, se transforma en música”.
Además de ampliar aún más las áreas en las que las formas de arte preexistentes pueden expresarse, las tecnologías digitales también están allanando el camino hacia nuevas disciplinas. La realidad aumentada, las imágenes en 3D y otras artes robóticas han sido generadas por tecnologías informáticas. El escultor digital nacido en Sudáfrica Murray Kruger enfatiza la oportunidad de creatividad original que le brindan la tecnología de la información y sus áreas relacionadas. “Me fascinan las escenas fantasmagóricas y su poder para provocar reacciones de los espectadores. Puedo usar herramientas digitales para crear modelos 3D que no serían posibles utilizando métodos más tradicionales. Puedo verificar su composición y la iluminación desde todos los ángulos y jugar con ellos todo lo que quiera hasta que termine con algo que coincida perfectamente con mi visión. Lo mismo ocurre con las etapas de coloración: puedo experimentar con texturas, renderizaciones y sensaciones, etcétera”. Su trabajo combina tecnología y creatividad, infundiendo cada una de sus obras con su propia atmósfera y ambiente especiales y cumpliendo con uno de los principales objetivos del arte: lograr que el observador se haga preguntas.
PLACERES Y FRUSTRACIONES DE LA INFORMATIZACIÓN.
Algunos artistas que experimentan con los medios digitales reconocen e incluso lamentan las limitaciones de lo que hacen. Un lápiz óptico y una tableta no se sienten exactamente igual en la mano que un martillo y un cincel, o incluso un pincel real. Esto plantea la pregunta “¿es menos divertido crear el arte digital que el arte” tradicional “? O, simplemente, ¿es más frustrante?” Diferente, sí. Menos agradable, no.
La sensación de la tiza o el carbón en mi mano es muy agradable, pero la forma en que un lápiz digital se desliza suavemente sobre una tableta es extremadamente agradable”, comentó Jeremy Sutton. Pintor estadounidense radicado en California, “He intentado pintar con movimiento de salto, un sistema de reconocimiento de movimiento. Todo lo que tienes que hacer es mover tu mano por el aire y puedes ver sus movimientos transcritos en una pantalla. Es mucho más que un simple dispositivo: es una técnica genuina que cambiará por completo la forma en que creamos arte en el futuro “, dice entusiasmado.
¿PODRÍA LA INNOVACIÓN SER UNA FORMA DE COMPENSAR LA FRUSTRACIÓN CREADA POR LA INFORMATIZACIÓN?
Las tecnologías inmersivas (pantallas panorámicas en 3D, retroalimentación de fuerza, olores artificiales, etc.) deberían cerrar gradualmente la brecha entre lo tradicional y lo digital. Dreams de Fantasy lab es una muestra de las posibilidades artísticas de las tecnologías inmersivas para crear arte que produce sensaciones.
En este nuevo espacio en la Ciudad de México el colectivo de artistas y creativos juega con luces, espejos, proyectores, y gráficos 2 y 3D para crear ambientes especiales “Nosotros concebimos estas experiencias contando una historia, un pretexto para trabajar directamente en las emociones, conectando la experiencia con la gente, para que al salir de Fantasy Lab siempre tengan ganas de regresar. Hay muchos eventos increíbles a nivel mundial y la mayoría de estos son de experiencias muy “instantáneas” y en Fantasy Lab no quisimos hacerlo así. Por eso estamos iniciando con Dreams, porque queremos que la gente descubra el poderoso mensaje que hemos creado a través del recorrido de nuestros sueños”, comentó Sergio Díaz.
“Fantasy Lab es el producto de 30 años de experiencia en displays digitales, contenido, arte, músicos y tecnología. Hoy decidimos crear un venue en donde si lo puedes imaginar, lo podemos crear con todas estas herramientas con las que contamos. Dreams es la primera experiencia de Fantasy Lab en donde te llevaremos a través de tus sueños. Una aventura única en donde casi nada es lo que parece y nuestros miedos y deseos quedan liberados en un mundo de símbolos y metáforas. El mensaje escondido quizá sería que la gente se atreva a vivir sus sueños” Comentó Ricardo Lopez – Franco, CEO de Fantasy Lab.
COMPARTIR DIGITAL
El arte se ha vuelto más accesible ahora que nunca gracias a las oportunidades que ofrecen las tecnologías digitales y las nuevas formas de compartirlo. Hoy en día, cualquiera puede compartir su propio arte o contemplar el de otros en un sitio web, un blog o a través de las redes sociales. Esta es una forma de compartir que es completamente diferente de los canales tradicionales, que generalmente requieren algún tipo de intermediario cultural o marco dedicado.
La interacción entre el artista, la obra de arte y el público en general da como resultado algo efímero que se reinventa para siempre. Pero no debemos perder de vista el hecho de que el arte debe, en primer lugar, plantear preguntas en la mente de los espectadores: no debe simplemente guiarlos a sus mecanismos para que se conviertan en una de sus partes. Todo es una cuestión de control y de cuánta libertad se otorga a los contribuyentes para que se puedan tener en cuenta sus propias realidades sin perder de vista el objetivo artístico
final.
MÚLTIPLES PANTALLAS ES IGUAL A MÚLTIPLES LÍMITES
Las oportunidades que brindan las tecnologías de pantallas digitales parecen ilimitadas. Pero su propia naturaleza plantea ciertas preguntas, particularmente con respecto a la forma en que se representa el arte en el medio digital insignia: la pantalla, ya sea una pantalla de tableta, una pantalla de computadora, una pantalla de televisión, etc. Podría ser que haya un debate sobre la oposición entre la luz dispersa y la luz emitida.
La imagen que se muestra a menudo es magnífica, debido a la configuración colorimétrica. Pero el resultado puede variar enormemente de una pantalla a otra y, sobre todo, cuando se imprime. Esto es algo que se discute todos los días. Aunque las pruebas de color ayudan a garantizar que las impresiones reales sean una representación fiel de lo que el artista tenía en mente y trabajó en la pantalla, la mejor solución generalmente implica modular las densidades y los contrastes y utilizar la mayor cantidad de luz posible.
En lo que respecta a las variaciones de pantalla a pantalla, la solución más fácil es que todos vean la misma. Otra opción es simplemente aceptarlo, teniendo en cuenta que el resultado real nunca es tan diferente al previsto. El sistema visual humano es comúnmente muy bueno para adaptarse. El ojo puede ajustar y apreciar el arte digital de la manera prevista por su creador, quien generalmente es consciente de la forma en que se puede modular el color y no se molesta por esto. De hecho, incorporan estas modulaciones en la forma en que conciben su propio
arte.
Lo que debemos recordar es que el término “arte” es bastante amplio. Los museos no reemplazarán los paisajes posimpresionistas de Van Gogh con réplicas digitales, esa es una idea ridícula. Sin embargo, la idea de que las galerías venderán piezas digitales junto con las tradicionales es bastante razonable.
Es casi seguro que en 50 o 100 años, muchos artistas seguirán utilizando los métodos tradicionales de pinturas, aceites, acrílicos y todo eso. Pero será para gustos tradicionales o de nicho, tal vez incluso sea considerado hipster. Cuando la fotografía digital dio sus primeros pasos, las autoridades establecidas estaban en conflicto sobre cómo esta nueva técnica para crear imágenes encajaría en el mundo del arte.
Lo que buscamos en el arte también está cambiando. En una publicación en el blog Traditional Art Vs Digital Art, el autor sugiere que lucharemos por apreciar el arte digital de la misma manera que lo hacemos con el trabajo tradicional.
“Ellos [las personas normales] no podían ver los patrones sutiles, las imperfecciones y los trazos tallados en la pintura por las fibras de pincel individuales que nos permiten saber cuán diligentemente alguien ha trabajado para crear este arte para nosotros”.
Y eso es perfectamente cierto. Pero en esta era digital, estamos acostumbrados a crear arte sin imperfecciones en el sentido tradicional. Los golpes físicos y las capas de pinturas pueden considerarse crudos en el futuro, o simplemente básicos; sin refinar Si bien podemos apreciar y apreciamos las imperfecciones de las obras de arte de pintura sobre lienzo, no hay razón para creer que sea un requisito previo para la clasificación como arte de alta calidad.
Y esta no es la primera vez que se altera el orden artístico establecido. Cuando se exploró por primera vez el impresionismo, los críticos criticaron el trabajo de Claude Monet como “incompleto, un simple boceto sin realismo”. Cada nueva ola de expresión artística causa una gran controversia, y aunque el crecimiento del arte digital es uno de los mayores cambios de la historia, no es inherentemente negativo.
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